La Voz de DIOS

noviembre 15, 2008

Fire Agate

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octubre 5, 2008

Artistas de la Tierra

 

Art’culos sobre arte y artistas.

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Comentarios y críticas a tus Obras (9)

Usuario: Dimagosi
Obra: The Earth Cathedral
Valoración: Muy Buena
Fecha:2008-09-29
hola, me gusata el manejo del color y luz en tus obras, en espesial en esta, y el rostro de la ñiña es muy penetrante en verdad, felicidades¡¡ 🙂
Usuario: crislena
Obra: FLOR DE DURAZNO
Valoración: Muy Buena
Fecha:2008-09-26
Tu obra denota mucha espírirualidad, y nos eleva a un mundo mítico, realmente atrapante y enigmático.
Usuario: sercaffa
Obra: La LLanura de Guatimapé
Valoración: Muy Buena
Fecha:2008-09-05
Alberto: Tu obra es verdaderamente magistral! Rebosa originalidad y creatividad, además de tener gran calidad técnica y artística. Este trabajo posee un color impresionante! Felicitaciones . CAFFA
Usuario: nency-medi
Obra: FLOR DE DURAZNO
Valoración: Muy Buena
Fecha:2008-09-05
Hola Alberto,siempre paseo por tu galeria para encontrarme con fuerza espiritual reflejada en cada obra,que son de un fuerte contenido,elijo flor de durazno para felicitarte,me gustan estas ramas con flores buscando el cielo ,Felicitaciones Maestro¡¡¡¡Nency
Usuario: funcionari
Obra: ANGELA LINDA
Valoración: Muy Buena
Fecha:2008-03-22
Felicitaciones. Una obra con tanta espiritualidad solo puede tener un mensaje y es la expresividad de tu alma. Seguro que esta imagen llena de luz, la harias en un momento de tu vida muy especial. Te doy la enhorabuena, y ¡¡ Hasta pronto !! Funcionari
Usuario: Malen
Obra: María Scarpitta
Valoración: Muy Buena
Fecha:2008-02-22
Retrato que llama mi atención, la expresión de esa cara hace que pare, que la mire, una y otra vez…
Impresionante!
Usuario: chely
Obra: La Victoria de las Muertas de Juárez
Valoración: Muy Buena
Fecha:2007-12-18
De verdad que en Juarez anda suelto el diablo. Ojalá que esta cabeza por fin sea la suya.

Me parecen muy mexicanas todas tus obras, donde la vida y la muerte, el bien y el mal están siempre tan presentes. Me gusta Mexico. Quisiera algun dia poder visitar a mis amigos de allí.

Usuario: Batlles
Obra: María Scarpitta
Valoración: Muy Buena
Fecha:2007-10-12
Retrato mayúsculo.
Expresión de la madre en una niña.
Usuario: Aminta
Obra: LA MUERTE DEL DIABLO
Valoración: Muy Buena
Fecha:2006-08-27
que expresividad!!!
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julio 14, 2008

Para que sirve el Arte?

Filed under: artistas famosos, Delaware, demonio, Denver, diabolical, Durango — Alberto Thirion @ 8:06 am


El arte sirve para muchas cosas,su función última es la de ser vendido,y no la principal como creen los nuevos en este oficio,el arte de da conocimiento, de si mismo y del medio,de la realidad y de tú realidad,te da fuerza para vivir,lo digo yo que siempre eh vivido del arte,he vivido del arte ,desde el segundo año de primaria,el arte me dio todo,por el dibujo me ponían 10 en todas las materias.(click en la imagen para agrandar)

May 17, 2008

¿ Por que soy el Más Caro?


Ya lo he dicho muchas veces a la prensa soy el más caro por que soy el primer artista que mata al diablo en toda la historia del arte y esto no es fácil,yo soy el primero que mata al diablo en toda la historia del arte desde las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira hasta Picasso y el arte vale naturalmente!,por el impulso que lo produce.no por los caprichos del «Mercado del Arte».
Las obras de la serie;»La Muerte del Diablo»son las más caras del mundo,alderredor de los, $150.000.000 USD,sin embargo algunas de mis obras están al alcance de los coleccionistas modestos.

May 10, 2008

Miguel Ángel

Vidas y Biografias

Las figuras clave de la historia
Reportajes
Los protagonistas de la actualidad

Miguel Ángel

(Miguel Ángel Buonarrotti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 – Roma, 1564) Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias.

Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables.

La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo.

En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica.

La Piedad de Miguel Ángel

Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista.

En 1505, cuando trabajaba en el cartón preparatorio de la Batalla de Cascina (inconclusa) para el Palazzo Vecchio, el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más admiradas, ya que permiten apreciar cómo extraía literalmente de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos.

La creación de Miguel Ángel (Capilla Sixtina)

Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistió a aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió finalmente en su creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales, que representan episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo unitario dominado por dos cualidades esenciales: belleza física y energía dinámica.

En 1516, regresó a Florencia para ocuparse de la fachada de San Lorenzo, obra que le dio muchos quebraderos de cabeza y que por último no se realizó; pero el artista proyectó para San Lorenzo dos obras magistrales: la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de monumentalidad en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel. La capilla Medicea alberga dos sepulturas que incluyen la estatua del difunto y las figuras magistrales del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo.

En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó sustancialmente los planos y diseñó la cúpula, que es obra suya. Su otra gran realización arquitectónica fue la finalización del Palacio Farnesio, comenzado por Sangallo el Joven.

Amado Nervo

Biografias y Vidas

Las figuras clave de la historia
Reportajes
Los protagonistas de la actualidad

Amado Nervo

(José Amado Ruiz de Nervo; Tepic, Nayarit, 1870 – Montevideo, 1919) Poeta mexicano. Hizo sus primeros estudios en el Colegio de Jacona, pasando después al Seminario de Zamora, en el Estado de Michoacán, donde permaneció desde 1886 hasta 1891.

Los problemas económicos que atenazaron a su familia, un hogar de clase media venido a menos, le forzaron a dejar inconclusos sus estudios eclesiásticos, sin que pueda descartarse por completo la idea de que su decisión fuera también influida por sus propias inclinaciones.

En cualquier caso, siguió alentando en su interior una espiritualidad mística, nacida sin duda en estos primeros años, que empapa la producción lírica del poeta, en la que medita, fundamentalmente, sobre la existencia humana, sus problemas, sus conflictos y sus misterios, el eterno dilema de la vida y la muerte.

Abandonados pues los estudios, empezó a ejercer el periodismo, profesión que desarrolló primero en Mazatlán, en el Estado de Sinaloa, y más tarde en la propia Ciudad de México, a donde se trasladó temporalmente en 1894. Sus colaboraciones aparecieron en la Revista Azul. Junto a su amigo Jesús E. Valenzuela, fundó la Revista Moderna. Estas dos publicaciones fueron el resultado de las ansias e impulsos modernistas que aparecieron, en aquella época, en todos los rincones de la Latinoamérica literaria y artística.

En 1900, el diario El Imparcial lo envió como corresponsal a la Exposición Universal de París, donde residiría durante de dos años. Entabló allí conocimiento y amistad con el gran poeta nicaragüense Rubén Darío, quien más tarde diría de Nervo: «se relacionó también con el grupo de literatos y artistas parnasianos y modernistas, completando de ese modo su formación literaria.»

Todos los estudiosos parecen estar de acuerdo en afirmar que adoptó los principios y la filosofía del Parnaso, grupo de creadores franceses que intentaba reaccionar contra la poesía utilitaria y declamatoria, tan en boga por aquel entonces, rechazando también un romanticismo lírico en el que los sentimientos, las encendidas pasiones y las convicciones íntimas de los autores, interfiriendo en su producción literaria, impedían, a su entender, el florecimiento de la belleza artística pura.

En París conoció a la que iba a ser la mujer de su vida, Ana Cecilia Luisa Dailliez, con la que compartió su vida más de diez años, entre 1901 y 1912, y cuyo prematuro fallecimiento fue el doloroso manantial del que emanan los versos de La amada inmóvil, que no vio la luz pública hasta después de la muerte del poeta, prueba de que éste consideraba su obra como parte imprescindible de su más dolorosa intimidad. Su Ofertorio supone, sin ningún género de duda, uno de los momentos líricos de mayor emoción, una de las joyas líricas más importantes de toda su producción poética.

Cuando regresó a México, tras aquellos años decisivos para su vida y su formación literaria y artística, ejerció como profesor en la Escuela Nacional Preparatoria, hasta que fue nombrado inspector de enseñanza de la literatura. En 1906, por fin, ingresó en el servicio diplomático mexicano y se le confiaron distintas tareas en Argentina y Uruguay, para ser finalmente designado secretario segundo de la Legación de México en España.

En 1918 recibió el nombramiento de ministro plenipotenciario en Argentina y Uruguay, el que iba a ser su último cargo, pues, un año después, en 1919, Amado Nervo moría en Montevideo, la capital uruguaya, donde había conocido a Zorrilla San Martín, notable orador y ensayista con el que trabó estrecha amistad y que, a decir de los estudiosos, influyó decisivamente en el acercamiento a la iglesia Católica que realizó el poeta en sus últimos momentos, un acercamiento que tiene todos los visos de una verdadera reconciliación.

La obra de Amado Nervo

Poeta y prosista, el valor de su prosa desmerece, sin embargo, si se la compara con sus producciones en verso. Nervo es, efectivamente, un auténtico poeta modernista, verdadero hijo literario de Rubén Darío, plenamente mexicano; las intuiciones religiosas de su juventud le inspiraron las páginas de sus Perlas Negras y sus Místicas (1898), en las que puede encontrarse su célebre A Kempis, cuyo encendido lirismo no podría ya superar el poeta.

Más tarde, su mexicanidad se atempera por su estancia y sus contactos en París; la influencia francesa y, sobre todo, la española y la latinoamericana, concretada en el indiscutible maestrazgo de Rubén Darío y Leopoldo Lugones, confieren al espíritu, el sentimiento y la obra de Amado Nervo una dirección menos mística, unas preocupaciones menos religiosas, aunque impregnadas de un panteísmo que le da mayor universalidad, un pálpito más liberal y humano.

Es la etapa en la que escribe sus Poemas (1901), seguidos en 1902 por El Éxodo y las flores del camino, Hermana agua y Lira heroica. El ciclo se cerrará en 1905 con la aparición de Los jardines interiores. Todas sus producciones muestran un exquisito refinamiento, una indiscutible preocupación por la perfección de la forma y el absoluto protagonismo de la estrofa dentro de la escritura.

En 1909 publica En voz baja, obra que supone el inicio de su andadura hacia la paz espiritual que, a raíz de la muerte de su amada, dará paso a la profunda transformación que vivirá el poeta y que, en consecuencia, impregnará toda su obra; no puede olvidarse que los conmovidos versos de La amada inmóvil fueron escritos en 1912, aunque sólo aparecieran póstumamente, en 1920. A la misma época pertenece también Serenidad (1914).

Luego, el lírico evoluciona cada vez más hacia una renunciación que pretende llevar hasta el terreno literario; hay en él una curiosa influencia de las doctrinas orientales, su primitivo sentido más o menos místico se convierte ahora en una especie de aspiración al Nirvana. «La muerte es la libertad absoluta», nos dice en la prosa de Plenitud; este espíritu lo sostiene en el verso de Elevación, El arquero divino (de publicación póstuma) y El estanque de los lotos (1917).

Sus actividades como prosista se iniciaron con El Bachiller (1896), novela corta de carácter autobiográfico. Son evidentes en la narración las influencias y las aspiraciones naturalistas, sobre todo en lo que respecta a la presentación de los aspectos más desagradables y sórdidos de la realidad. Autor prolífico, hizo también numerosas incursiones en otros muchos géneros, como el cuento breve, el ensayo y la crónica; destaca entre ellos su estudio sobre sor Juana Inés de la Cruz, publicado con el título de Juana de Asbaje (1910).

Una recopilación de sus obras en prosa ya conocidas y de otras inéditas hasta entonces apareció póstumamente en la edición que, en 1938, publicó Alfonso Méndez Plancarte, acompañándola por el estudio Mañana del poeta. Entre sus obras narrativas merecen citarse Pascual Aguilera, El domador de almas, los cuentos de Almas que pasan (1906) y algunas de las novelas cortas y narraciones escritas en los años postreros de su vida. Sus Obras completas, ordenadas por el escritor y humanista Alfonso Reyes, que se encargó de la edición, aparecieron en Madrid, de 1920 a 1928, en veintinueve volúmenes.

José Clemente Orozco

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José Clemente Orozco

(Zapotlán, actual Ciudad Guzmán, 1883 – México, 1949) Muralista mexicano. Unido por vínculos de afinidad ideológica y por la propia naturaleza de su trabajo artístico a las controvertidas personalidades de Rivera, Siqueiros y Tamayo, José Clemente Orozco fue uno de los creadores que, en el fértil período de entreguerras, hizo florecer el arte pictórico mexicano gracias a sus originales creaciones, marcadas por las tendencias artísticas que surgían al otro lado del Atlántico, en la vieja Europa.

Orozco colaboró al acceso a la modernidad estética de toda Latinoamérica, aunque la afirmación tenga sólo un valor relativo y deban considerarse las peculiares características del arte que practicaba, poderosamente influido, como es natural, por la vocación pedagógica y el aliento político y social que informó el trabajo de los muralistas mexicanos. Empeñados éstos en llevar a cabo una tarea de educación de las masas populares, con objeto de incitarlas a la toma de conciencia revolucionaria y nacional, debieron buscar un lenguaje plástico directo, sencillo y poderoso, sin demasiadas concesiones al experimentalismo vanguardista.

A los veintitrés años ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Carlos para completar su formación académica, puesto que su familia había decidido que aprovechara sus innegables condiciones para el dibujo en «unos estudios que le aseguraran el porvenir y que, además, pudieran servir para administrar sus tierras», por lo que el muchacho inició la carrera de ingeniero agrónomo. El destino profesional que el entorno familiar le reservaba no satisfacía en absoluto las aspiraciones de Orozco, que muy pronto tuvo que afrontar las consecuencias de un combate interior en el que su talento artístico se rebelaba ante unos estudios que no le interesaban. Y ya en 1909 decidió consagrarse por completo a la pintura.

Durante cinco años, de 1911 a 1916, para conseguir los ingresos económicos que le permitieran dedicarse a su vocación, colaboró como caricaturista en algunas publicaciones, entre ellas El Hijo del Ahuizote y La Vanguardia, y realizó una notable serie de acuarelas ambientadas en los barrios bajos de la capital mexicana, con especial presencia de unos antros nocturnos, muchas veces sórdidos, demostrando en ambas facetas, la del caricaturista de actualidad y la del pintor, una originalidad muy influida por las tendencias expresionistas.

De esa época es, también, su primer cuadro de grandes dimensiones, Las últimas fuerzas españolas evacuando con honor el castillo de San Juan de Ulúa (1915) y su primera exposición pública, en 1916, en la librería Biblos de Ciudad de México, constituida por un centenar de pinturas, acuarelas y dibujos que, con el título de La Casa de las Lágrimas, estaban consagrados a las prostitutas y revelaban una originalidad en la concepción, una búsqueda de lo «diferente» que no excluía la compasión y optaba, decididamente, por la crítica social.

Puede hallarse en las pinturas de esta primera época una evidente conexión, aunque no una visible influencia, con las del gran pintor francés Toulouse-Lautrec, ya que el mexicano realizó también en sus lienzos una pintura para «la gente de la calle», lo que se ha denominado «el gran público», y ambos eligieron como tema y plasmaron en sus telas el ambiente de los cafés, los cabarets y las casas de mala nota.

Dioses del mundo moderno (1932)

Orozco consiguió dar a sus obras un cálido clima afectivo, una violencia incluso, que le valió el calificativo de «Goya mexicano», porque conseguía reflejar en el lienzo algo más que la realidad física del modelo elegido, de modo que en su pintura (especialmente la de caballete) puede captarse una oscura vibración humana a la que no son ajenas las circunstancias del modelo. Conservó este sobrenombre para dar testimonio de la Revolución Mexicana con sus caricaturas en La Vanguardia, uniéndose de ese modo a la tradición satírica inaugurada, a finales del siglo XIX, por Escalante y Villanuesa.

Un año decisivo

Una fecha significativa en la trayectoria pictórica de José Clemente Orozco es el año 1922. Por ese entonces se unió a Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y otros artistas para iniciar el movimiento muralista mexicano, que tan gran predicamento internacional llegó a tener y que llenó de monumentales obras las ciudades del país. De tendencia nacionalista, didáctica y popular, el movimiento pretendía poner en práctica la concepción del «arte de la calle» que los pintores defendían, poniéndolo al servicio de una ideología claramente izquierdista.

Desde el punto de vista formal, la principal característica de los colosales frescos que realizaba el grupo era su abandono de las pautas y directrices académicas, pero sin someterse a las «recetas» artísticas y a las innovaciones procedentes de Europa: sus creaciones preferían volverse hacia lo que consideraban las fuentes del arte precolombino y las raíces populares mexicanas. Los artistas crearon así un estilo que se adaptaba a la tarea que se habían asignado, a sus preocupaciones políticas y sociales y su voluntad didáctica; más tarde (junto a Rivera y Siqueiros) actuó en el Sindicato de Pintores y Escultores, decorando con vastos murales numerosos monumentos públicos y exigiendo para su trabajo, en un claro gesto que se quería ejemplarizante y reivindicativo, una remuneración equivalente al salario de cualquier obrero.

Orozco era pues un artista que optó por el «compromiso político», un artista cuyos temas referentes a la Revolución reflejan, con atormentado vigor e insuperable maestría, la tragedia y el heroísmo que llenan la historia mexicana, pero que dan fe también de una notable penetración cuando capta los tipos culturales o retrata el gran mosaico étnico de su país.

Embajador artístico e incansable viajero

En 1928 el artista decide realizar un viaje por el extranjero. Se dirigió a Nueva York para presentar una exposición de sus Dibujos de la Revolución; inició de ese modo una actividad que le permitirá cubrir sus necesidades, pues Orozco se financia a partir de entonces gracias a sus numerosas exposiciones en distintos países. Su exposición neoyorquina tuvo un éxito notable, que fructificó dos años después, en 1930, en un encargo para realizar las decoraciones murales para el Pomona College de California, de las que merece ser destacado un grandilocuente y poderoso Prometeo; en 1931 decoró, también, la New School for Social Research de Nueva York.

Pero pese a haber roto con los moldes academicistas y a su rechazo a las innovaciones estéticas de la vieja Europa, el pintor sentía una ardiente curiosidad, un casi incontenible deseo de conocer un continente en el que habían florecido tantas civilizaciones. Los beneficios obtenidos con su trabajo en Nueva York y California le permitieron llevar a cabo el soñado viaje. Permaneció en España e Italia, dedicado a visitar museos y estudiar las obras de sus más destacados pintores.

Prometeo (1944)

Se interesó por el arte barroco y, desde entonces, puede observarse cierta influencia de estas obras en sus posteriores realizaciones, sobre todo en la organización compositiva de los grupos humanos, en la que son evidentes las grandes diagonales, así como en la utilización de los teatrales efectos del claroscuro, que descubrió al estudiar las obras de Velázquez y Caravaggio, que le permitió conseguir en sus creaciones un poderoso efecto dramático del que hasta entonces carecía, gracias al contraste entre luces y sombras y a las mesuradas gradaciones del negro en perspectivas aéreas.

Se dirigió luego a Inglaterra pero el carácter inglés, que le parecía «frío y poco apasionado», no le gustó en absoluto y, tras permanecer breve tiempo en París, para tomar contacto con «las últimas tendencias del momento», decidió emprender el regreso a su tierra natal. Allí inició de nuevo la realización de grandes pinturas murales para los edificios públicos.

Con la clara voluntad de ser un intérprete plástico de la Revolución, José Clemente Orozco puso en pie una obra monumental, profundamente dramática por su contenido y sus temas referidos a los acontecimientos históricos, sociales y políticos que había vivido el país, contemplado siempre desde el desencanto y desde una perspectiva de izquierdas, extremadamente crítica, pero también por su estilo y su forma, por el trazo, la paleta y la composición de sus pinturas, puestas al servicio de una expresividad violenta y desgarradora.

Su obra podría enmarcarse en un realismo ferozmente expresionista, fruto tal vez de su contacto con las vanguardias parisinas, a pesar de su consciente rechazo de las influencias estéticas del Viejo Mundo; el suyo es un expresionismo que se manifiesta en grandes composiciones, las cuales, por su rigor geométrico y el hieratismo de sus robustos personajes, nos hacen pensar, hasta cierto punto, en algunos ejemplos de la escultura precolombina. Hay que recordar al respecto que Orozco, Rivera y Siqueiros, el «grupo de los tres» como les gustaba llamarse, defendían el regreso a los orígenes, a la pureza de las formas mayas y aztecas, como principal característica de su trabajo artístico.

Una vastísima obra monumental

Cuando, en 1945, publicó su autobiografía, el cansancio por una lucha política muchas veces traicionada, el desencanto por las experiencias vividas en los últimos años y, tal vez, también el inevitable paso de los años, se concretan en unas páginas de evidente cinismo de las que brota un aura desengañada y pesimista. Europa nunca llegó a comprenderle, porque sus inquietudes estaban muy alejadas de las preocupaciones que agitaban, en su época, al continente, y porque no entendía, tampoco, el contexto social en el que Orozco se movía.

Su gigantismo, sus llamativos colores, aquella figuración narrativa que caía, de vez en cuando, en lo anecdótico, respondían a unas necesidades objetivas, a una lucha en definitiva, que parecieron exóticas en el contexto europeo. Era un arte que pretendía servir al pueblo, ponerse al servicio de cierta interpretación de la historia, en unos murales de convincente fuerza expresiva.

Hay que poner de relieve, como muestra del trabajo y las líneas creativas del pintor, las obras que realizó, entre 1922 y 1926, para la Escuela Nacional Preparatoria de México D. F., entre las que hay un Cortés y la Malinche, cuyo tema pone de relieve un momento crucial en la historia de México, en trazos transidos de luces y sombras. De 1932 a 1934, realizó para la Biblioteca Baker del Darmouth College, Hannover, New Hampshire, Estados Unidos, una serie de seis frescos monumentales, uno de los cuales, La enseñanza libresca genera monstruos, además de aludir oscuramente a su maestro Goya, supone una sarcástica advertencia en un edificio destinado, precisamente, a albergar la biblioteca de una institución docente.

Cortés y la Malinche

Para la Suprema Corte de Justicia de México D. F., Orozco realizó dos murales que son un compendio de las obsesiones de su vida: La justicia y Luchas proletarias, pintados durante 1940 y 1941. Por fin, en 1948 y para el Castillo de Chapultepec, en México D. F., Orozco llevó a cabo el que debía ser su último gran mural, como homenaje a uno de los políticos que, por sus orígenes indígenas y su talante liberal, más cerca estaban del artista: Benito Juárez.

Miembro fundador de El Colegio Nacional y Premio Nacional de Artes en 1946, practicó también el grabado y la litografía. Dejó, además, una abundante obra de caballete, caracterizada por la soltura de su técnica y sus pinceladas amplias y prolongadas; sus lienzos parecen a veces una sinfonía de tonos oscuros y sombríos, mientras en otras ocasiones su paleta opta por un colorido brillante y casi explosivo.

Entre sus cuadros más significativos hay que mencionar La hora del chulo, de 1913, buena muestra de su primer interés por los ambientes sórdidos de la capital; Combate, de 1920, y Cristo destruye su cruz, pintado en 1943, obra de revelador título que pone de manifiesto la actitud vital e ideológica que informó toda la vida del artista. De entre sus últimas producciones en caballete, el Museo de Arte Carrillo, en México D. F., alberga una Resurrección de Lázaro, pintada en 1947, casi al final de su vida.

En la producción de sus años postreros puede advertirse un afán innovador, un deseo de experimentar con nuevas técnicas, que se refleja en el mural La Alegoría nacional, en cuya realización utilizó fragmentos metálicos incrustados en el hormigón. Su aportación a la pintura nacional y la importancia de su figura artística decidieron al presidente Miguel Alemán ordenar que sus restos recibieran sepultura en el Panteón de los Hombres Ilustres.

marzo 13, 2008

purport « Alberto Thirion:Artista del México Profundo. – La Coctelera

purport « Alberto Thirion:Artista del México Profundo. – La Coctelera
The Earth Christ;Es posiblemete el tema central de mi vida y Obra,Mi Raíz.

marzo 2, 2008

Der Stil ist der Mensch




St, Es ist bekannt, und es wird gesagt, dass die Kunst ist die espíritu.Yo bin ein Bewunderer von tiefen Pollock, ich denke, sein Titel, «Núnero Five» wird von vielen als das teuerste Kunstwerk der Welt (140000000 USD ) Ist eine großartige Arbeit. Ich denke, dass jeder, nie wieder! EstadoUnidense den Geist erfasst, wie er ist zweifellos ein großer cartoonisand diesem Buch gibt uns der beste Beweis für seine brillante Genie.Ich wurde geboren und aufgewachsen in Durango, diesem Zustand seinen Sitz im Norden von Mexiko.
In meiner Wiege «, fand ich die Reise Ticket für mein ganzes Leben», wie Goya sagte, und heute kommen meiner Meinung nach seinen Worten. Ihr meiner Malerei und Zeichnung, das Fahrzeug tatsächlich meine wirkliche Persönlichkeit ist mein Akzent, mein Geist, meine Quintessenz, es ist eine Ansiedlung von meiner Persönlichkeit, ohne Zweifel «, so sage ich,» Die Kunst der Haut Soul. «
Die Profis raten zu einer Präsentation der künstlerischen Laufbahn oder Karriere, idyllisches Dinge, die von Interesse sind für die breite Öffentlichkeit und nicht eine endlose Liste von Ausstellungen in den Städten sagen «dificíles zu lokalisieren», und wir alle wissen, dass alle Künstler sind sehr erfolgreich, nicht Erfinden ihre Präsentationen oder lügen zu beeindrucken Menschen und Ansehen gewinnen, die alten Tricks nicht mehr beeindrucken niemanden.

Meiner Meinung nach Diego Rivera, sagte viele Unsinn und sagte eine Menge Dinge und bestimmte tief, da dies «nur dann wirklich universell diejenigen Künstler, die dies Staatsangehörigen, wie aus einem Ort, zu einem integralen Bestandteil, der einheimischen Pflanzen Boden, dass produjo. Tg nur dann, von einer Ecke der Erde, tief identifiziert mit ihm, und beherrschen die Gesamtheit, also, wenn in seiner universellen satt. «I AM BORN IN AND CRIADO DURANGO, THIS IS LOCATED NORTH STAND DER REPUBLIK MEXICAN. ¨ ¨ mich in meiner Wiege, fand ich den «Fahrplan» für mein ganzes Leben ¨ ¨ decia, Goya.hoy kommen meiner Meinung nach seinen Worten, geladen werden (natürlich) mit einem tiefen significado.yo gehören zu einer Familie von Grundbesitzern, der Besitzer der großen Wälder für viele Jahre, nur wegen der Natur Ich nutrí denke Mutter Natur zu meinem Lehrer, definitivamente.el «Geschenk» Zeichnung, ich geboren wurde (dh die Fähigkeit zu sehen, mehr tief), dass die Ergebnisse immer Respekt, wie in meinem natürlichen (zu Der Kunstakademien nie zu einer Klasse, sondern auch im Gespräch mit Kollegen …) gut, ich habe diese nach meinem großen Tugend (für die anderen kleinen sicherlich werden) mein Beruf mehr und mehr intime liebe, denn ich muß sagen, daß Ich widme der Steinigung von Edelsteinen, zu Fuß durch die Berge mich encontre ‘, und ich gusto’esto von Mineralien. Und Gemología, das ist ein Zweig der Mineralogie, sondern die Rückkehr zur Kunst und zu meiner Berufung, das Bild ist sehr wichtig für mich, für was? Denn, dass die Kunst ist der Geist, «Geist» von sich selbst und Geist «(I wie Dali, ich bin nicht auf meinem Geschmack für die Öffentlichkeitsarbeit, aber die Rechtschreibung, da bekannt ist, dass es viel schlechter als mir), aber gut, es Sagte, dass) oder das Wesen der Dinge, damit das Bild ist eine Form des Wissens von uns selbst und unserer Umwelt, so dass in den meisten tiefen und intimen Geständnis und ein Mittel der Gemeinschaft mit allen Männern und Frauen natürlich … Bild II erfüllt mich, und das ist keine kleine Sache, das Bild aufmerksam geworden, und die Dinge des Lebens. Meine Malerei von 1974 verkauften sich gut, in diesem Jahr war zum ersten Mal in einer Galerie bestimmter Ansehen (in der Welt der mexikanischen Kunst) gab es einzigartig wie ein Künstler, bis er verschwunden ist, war im Besitz einer Familie von Journalisten sehr wichtig für die CD . In Mexiko, die Galerie hieß ¨ ¨ ¨ ¨ IVG. Dann besucht andere ist meine «DIE GALERIE MAREN», und «DIE GALERIE CORDOURIER» waren auch wichtig, in Cd.De México.ahora, verkaufen über das Internet, meine email ist; albertothirion@hotmail.com / gut Ich glaube .. . Sie kamen hier auf der Suche … Auf der Suche nach etwas; Ruskin sagte, die Mission der Kunst ist «Embellecer der Seele des Menschen», das ist es, was ich verkaufe, Medizin für die Seele … Damit ist das, was ich gesagt habe, meine Kollegen, und mein Onkel «Palle», was ein Apotheker in Tijuana und San Diego, Ca.asi wie ich mich entdeckt wurde.
————————————————– —
(Diese Zeilen wurden in einem Magazin, fiel in meine Hände vor wenigen Tagen)
Zwei Mexikaner, Jose Luis Cuevas und Alberto Thirion, zwei konkurrierenden Visionen der mexikanischen Realität, der Akzent von Mexiko; der márchamo eines Landes, einer Kultur, die Dichtung des Vaterlandes … Kunst im Land.
Wer hat Recht cúal Nerz ist tiefer?
Was definiert Kunst und verteidigt Mexiko?
Durch diese unabhängig davon, ob jeder von ihnen, ob oder nicht treu zu sich selbst, zu seinem Geburtsort und seine Nerz.
Was ist keine Kunst, Stempel und Unterschrift des Vaterlandes?
Jetzt Höhlen zu diesem Thema veröffentlicht wurde auf Google. Und wenn ja, ich sage, in dieser Zeit Jose Luis, ist die beliebteste oder berühmten Malers von Mexiko und der Vertreter der mexikanischen Malerei in der Welt ist, wenn sie die Träger der mexikanischen Malerei in der Welt? Wenn endgültig, aber …. Lassen Sie sich von der nur MOUSTRO ist! Statt «The Monster und Denkmal» ist berechtigt, als ob ich daran erinnern, seinem letzten Buch.
Denn wie wir wissen, jedes Kunstwerk ist letztlich ein Selbstportrait.
Die Cyber Journalismus und der Öffentlichkeit im allgemeinen, auf die Verknüpfung zu, dass meine Arbeit von Jose Luis Cuevas … Kommt es, daß ich als «Der Mörder des Teufels»?
Die Wahrheit ist, dass alle Fälle, und die Dinge so gut, das ist es, genannt zu werden, «The Dead Juarez» oder der Fall der pederast, Jean Succar Kuri; demonstrieren die Gültigkeit zweifellos die Arbeit von Jose Luis.
Aber vor allem die Notwendigkeit zu töten, der Teufel ein für alle Mal, und unter diesem Gesichtspunkt meine Arbeit wäre nicht dagegen, aber wenn wir als Ergänzung zu den Arbeiten des berühmten Jose Luis Cuevas.
Abschließend möchte ich zitiere aus meinem tocayo.Albert Einstein
«Das Leben ist gefährlich, nicht für Männer, die Böses tun, sondern weil diejenigen, die sitzen und sehen, was passiert»
Was gibt Wert für die Kunst ist es, die Dynamik erzeugt, denn dies ist der Inhalt der Arbeit, wenn wir sehen, die Kunst in ihrer sozialen Sinne ist nicht nur eine geistliche Nahrung für die Menschen, und wir finden, dass gute Kunst, Kunst und Kunst sterilen Toxische Vergiftung und tötet Menschen, natürlich der Kunstmarkt sich seiner Rolle nur gibt uns die beste, das ist der Grund, warum unsere Gesellschaft ist eine gesunde und dass jeder sehen kann, richtig?
————————————————– —- Weil das Elend in der Welt ist groß und die Armen der Erde gibt viele (ich bin nicht reich, aber Gott erlaubte mir zu erkunden Gemología, das heißt, ich sage denjenigen, die nicht wissen, ist die Studie der Edelsteine, Ebenfalls Er erlaubte mir, sie zu finden, in großer Zahl) ist gut, wenn wir stellen zu verkaufen große Menge der Steine sehr selten und daher sehr teuer in der internationalen Institutionen der solide Ruf, zu verkaufen viele geben die 75 altruistischen% für die Einrichtung.
Wir kommentiert hier, also tue ich alle meine Webseiten, und ich möchte, dass dies zu weit verbreitet und llege Beihilfen für all jene Menschen, die es brauchen, ich mag Rand auf die vollständige Schreiben, die brauche ich nicht zu Gott sei Dank! Luxus und vanidaes, pidras kostbaren interessieren mich mehr für ihre Schönheit als seinen Wert, außerdem genießen veraderamente über die Berge schauen und finden.
————————————————– —-
Vielleicht ist das Urteil vom Buffon «Der Stil ist der Mensch» könnte auch «Die Nachricht ist der Stil.» So oder so, mein Stil ist Romantik oder christliche, und nicht als surreale zu kommen diciendo.Esto ich sagen, dass es wichtig ist, zu lokalisieren.
Long «Artmajeur» ein Online Galerie bekannt, ich bin der beliebtesten Künstler von Mexiko in der Welt, ich sage, dass es mir eine große Freude, auferlegt werden, der Öffentlichkeit den Tod des Teufels.
Dies war nicht einfach, am Anfang, vor 20 Jahren, als ich anfing, diese Serie von starken, lief ich die Galerien.
Dann könnte, wie sie verdauen das Buch ging an buscarme, mich entschuldigen uns sagen, «Don’t Zäune, wir sind nicht sicher, hier sind die besten,» einige dieser Kolleginnen und Künstler waren Geistigen oder Spiritualist, ich weiß nicht, was ist der richtige Begriff.
Ihr meiner Malerei und Zeichnung, das Fahrzeug tatsächlich meine wirkliche Persönlichkeit ist mein Akzent, mein Geist, meine Quintessenz, es ist eine Ansiedlung von meiner Persönlichkeit, ohne Zweifel «, so sage ich,» Die Kunst der Haut Soul. «
Die Profis raten zu einer Präsentation der künstlerischen Laufbahn oder Karriere, idyllisches Dinge, die von Interesse sind für die breite Öffentlichkeit und nicht eine endlose Liste von Ausstellungen in den Städten sagen «dificíles zu lokalisieren», und wir alle wissen, dass alle Künstler sind sehr erfolgreich, nicht Erfinden ihre Präsentationen oder lügen zu beeindrucken Menschen und Ansehen gewinnen, die alten Tricks nicht mehr beeindrucken niemanden.

Meiner Meinung nach Diego Rivera, sagte viele Unsinn und sagte eine Menge Dinge und bestimmte tief, da dies «nur dann wirklich universell diejenigen Künstler, die dies Staatsangehörigen, wie aus einem Ort, zu einem integralen Bestandteil, der einheimischen Pflanzen Boden, dass produjo. Tg nur dann, von einer Ecke der Erde, tief identifiziert mit ihm, und beherrschen die Gesamtheit, also, wenn in seiner universellen satt. «I AM BORN IN AND CRIADO DURANGO, THIS IS LOCATED NORTH STAND DER REPUBLIK MEXICAN. ¨ ¨ mich in meiner Wiege, fand ich den «Fahrplan» für mein ganzes Leben ¨ ¨ decia, Goya.hoy kommen meiner Meinung nach seinen Worten, geladen werden (natürlich) mit einem tiefen significado.yo gehören zu einer Familie von Grundbesitzern, der Besitzer der großen Wälder für viele Jahre, nur wegen der Natur Ich nutrí denke Mutter Natur zu meinem Lehrer, definitivamente.el «Geschenk» Zeichnung, ich geboren wurde (dh die Fähigkeit zu sehen, mehr tief), dass die Ergebnisse immer Respekt, wie in meinem natürlichen (zu Der Kunstakademien nie zu einer Klasse, sondern auch im Gespräch mit Kollegen …) gut, ich habe diese nach meinem großen Tugend (für die anderen kleinen sicherlich werden) mein Beruf mehr und mehr intime liebe, denn ich muß sagen, daß Ich widme der Steinigung von Edelsteinen, zu Fuß durch die Berge mich encontre ‘, und ich gusto’esto von Mineralien. Und Gemología, das ist ein Zweig der Mineralogie, sondern die Rückkehr zur Kunst und zu meiner Berufung, das Bild ist sehr wichtig für mich, für was? Denn, dass die Kunst ist der Geist, «Geist» von sich selbst und Geist «(I wie Dali, ich bin nicht auf meinem Geschmack für die Öffentlichkeitsarbeit, aber die Rechtschreibung, da bekannt ist, dass es viel schlechter als mir), aber gut, es Sagte, dass) oder das Wesen der Dinge, damit das Bild ist eine Form des Wissens von uns selbst und unserer Umwelt, so dass in den meisten tiefen und intimen Geständnis und ein Mittel der Gemeinschaft mit allen Männern und Frauen natürlich … Bild II erfüllt mich, und das ist keine kleine Sache, das Bild aufmerksam geworden, und die Dinge des Lebens. Meine Malerei von 1974 verkauften sich gut, in diesem Jahr war zum ersten Mal in einer Galerie bestimmter Ansehen (in der Welt der mexikanischen Kunst) gab es einzigartig wie ein Künstler, bis er verschwunden ist, war im Besitz einer Familie von Journalisten sehr wichtig für die CD . In Mexiko, die Galerie hieß ¨ ¨ ¨ ¨ IVG. Dann besucht andere ist meine «DIE GALERIE MAREN», und «DIE GALERIE CORDOURIER» waren auch wichtig, in Cd.De México.ahora, verkaufen über das Internet, meine email ist; albertothirion@hotmail.com / gut Ich glaube .. . Sie kamen hier auf der Suche … Auf der Suche nach etwas; Ruskin sagte, die Mission der Kunst ist «Embellecer der Seele des Menschen», das ist es, was ich verkaufe, Medizin für die Seele … Damit ist das, was ich gesagt habe, meine Kollegen, und mein Onkel «Palle», was ein Apotheker in Tijuana und San Diego, Ca.asi wie ich mich entdeckt wurde.
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(Diese Zeilen wurden in einem Magazin, fiel in meine Hände vor wenigen Tagen)
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Wer hat Recht cúal Nerz ist tiefer?
Was definiert Kunst und verteidigt Mexiko?
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Was ist keine Kunst, Stempel und Unterschrift des Vaterlandes?
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Denn wie wir wissen, jedes Kunstwerk ist letztlich ein Selbstportrait.
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Dies war nicht einfach, am Anfang, vor 20 Jahren, als ich anfing, diese Serie von starken, lief ich die Galerien.
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Ich wurde geboren und aufgewachsen in Durango, diesem Zustand seinen Sitz im Norden von Mexiko. In meiner Wiege «, fand ich die Reise Ticket für mein ganzes Leben», wie Goya sagte, und heute kommen meiner Meinung nach seinen Worten. Ihr meiner Malerei und Zeichnung, das Fahrzeug tatsächlich meine wirkliche Persönlichkeit ist mein Akzent, mein Geist, meine Quintessenz, es ist eine Ansiedlung von meiner Persönlichkeit, ohne Zweifel «, so sage ich,» Die Kunst der Haut Soul. » Die Profis raten zu einer Präsentation der künstlerischen Laufbahn oder Karriere, idyllisches Dinge, die von Interesse sind für die breite Öffentlichkeit und nicht eine endlose Liste von Ausstellungen in den Städten sagen «dificíles zu lokalisieren», und wir alle wissen, dass alle Künstler sind sehr erfolgreich, nicht Erfinden ihre Präsentationen oder lügen zu beeindrucken Menschen und Ansehen gewinnen, die alten Tricks nicht mehr beeindrucken niemanden. 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Aber vor allem die Notwendigkeit zu töten, der Teufel ein für alle Mal, und unter diesem Gesichtspunkt meine Arbeit wäre nicht dagegen, aber wenn wir als Ergänzung zu den Arbeiten des berühmten Jose Luis Cuevas. Abschließend möchte ich zitiere aus meinem tocayo.Albert Einstein «Das Leben ist gefährlich, nicht für Männer, die Böses tun, sondern weil diejenigen, die sitzen und sehen, was passiert» Was gibt Wert für die Kunst ist es, die Dynamik erzeugt, denn dies ist der Inhalt der Arbeit, wenn wir sehen, die Kunst in ihrer sozialen Sinne ist nicht nur eine geistliche Nahrung für die Menschen, und wir finden, dass gute Kunst, Kunst und Kunst sterilen Toxische Vergiftung und tötet Menschen, natürlich der Kunstmarkt sich seiner Rolle nur gibt uns die beste, das ist der Grund, warum unsere Gesellschaft ist eine gesunde und dass jeder sehen kann, richtig? ————————————————– —- Weil das Elend in der Welt ist groß und die Armen der Erde gibt viele (ich bin nicht reich, aber Gott erlaubte mir zu erkunden Gemología, das heißt, ich sage denjenigen, die nicht wissen, ist die Studie der Edelsteine, Ebenfalls Er erlaubte mir, sie zu finden, in großer Zahl) ist gut, wenn wir stellen zu verkaufen große Menge der Steine sehr selten und daher sehr teuer in der internationalen Institutionen der solide Ruf, zu verkaufen viele geben die 75 altruistischen% für die Einrichtung. 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Ihr meiner Malerei und Zeichnung, das Fahrzeug tatsächlich meine wirkliche Persönlichkeit ist mein Akzent, mein Geist, meine Quintessenz, es ist eine Ansiedlung von meiner Persönlichkeit, ohne Zweifel «, so sage ich,» Die Kunst der Haut Soul. » Die Profis raten zu einer Präsentation der künstlerischen Laufbahn oder Karriere, idyllisches Dinge, die von Interesse sind für die breite Öffentlichkeit und nicht eine endlose Liste von Ausstellungen in den Städten sagen «dificíles zu lokalisieren», und wir alle wissen, dass alle Künstler sind sehr erfolgreich, nicht Erfinden ihre Präsentationen oder lügen zu beeindrucken Menschen und Ansehen gewinnen, die alten Tricks nicht mehr beeindrucken niemanden. Meiner Meinung nach Diego Rivera, sagte viele Unsinn und sagte eine Menge Dinge und bestimmte tief, da dies «nur dann wirklich universell diejenigen Künstler, die dies Staatsangehörigen, wie aus einem Ort, zu einem integralen Bestandteil, der einheimischen Pflanzen Boden, dass produjo. Tg nur dann, von einer Ecke der Erde, tief identifiziert mit ihm, und beherrschen die Gesamtheit, also, wenn in seiner universellen satt. «I AM BORN IN AND CRIADO DURANGO, THIS IS LOCATED NORTH STAND DER REPUBLIK MEXICAN. ¨ ¨ mich in meiner Wiege, fand ich den «Fahrplan» für mein ganzes Leben ¨ ¨ decia, Goya.hoy kommen meiner Meinung nach seinen Worten, geladen werden (natürlich) mit einem tiefen significado.yo gehören zu einer Familie von Grundbesitzern, der Besitzer der großen Wälder für viele Jahre, nur wegen der Natur Ich nutrí denke Mutter Natur zu meinem Lehrer, definitivamente.el «Geschenk» Zeichnung, ich geboren wurde (dh die Fähigkeit zu sehen, mehr tief), dass die Ergebnisse immer Respekt, wie in meinem natürlichen (zu Der Kunstakademien nie zu einer Klasse, sondern auch im Gespräch mit Kollegen …) gut, ich habe diese nach meinem großen Tugend (für die anderen kleinen sicherlich werden) mein Beruf mehr und mehr intime liebe, denn ich muß sagen, daß Ich widme der Steinigung von Edelsteinen, zu Fuß durch die Berge mich encontre ‘, und ich gusto’esto von Mineralien. Und Gemología, das ist ein Zweig der Mineralogie, sondern die Rückkehr zur Kunst und zu meiner Berufung, das Bild ist sehr wichtig für mich, für was? Denn, dass die Kunst ist der Geist, «Geist» von sich selbst und Geist «(I wie Dali, ich bin nicht auf meinem Geschmack für die Öffentlichkeitsarbeit, aber die Rechtschreibung, da bekannt ist, dass es viel schlechter als mir), aber gut, es Sagte, dass) oder das Wesen der Dinge, damit das Bild ist eine Form des Wissens von uns selbst und unserer Umwelt, so dass in den meisten tiefen und intimen Geständnis und ein Mittel der Gemeinschaft mit allen Männern und Frauen natürlich … Bild II erfüllt mich, und das ist keine kleine Sache, das Bild aufmerksam geworden, und die Dinge des Lebens. Meine Malerei von 1974 verkauften sich gut, in diesem Jahr war zum ersten Mal in einer Galerie bestimmter Ansehen (in der Welt der mexikanischen Kunst) gab es einzigartig wie ein Künstler, bis er verschwunden ist, war im Besitz einer Familie von Journalisten sehr wichtig für die CD . In Mexiko, die Galerie hieß ¨ ¨ ¨ ¨ IVG. Dann besucht andere ist meine «DIE GALERIE MAREN», und «DIE GALERIE CORDOURIER» waren auch wichtig, in Cd.De México.ahora, verkaufen über das Internet, meine email ist; albertothirion@hotmail.com / gut Ich glaube .. . 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enero 10, 2008

Nicola Scarpitta

( Mi Familia Italiana)
( Un viejo y sabio amigo mío)quien me dijo en una Sin duda alguna el encontrar nuestra raíz es el aceptarnos a nosotros mismos,el conocimiento de sí mismo como base y punto de partida de toda la vida,esto me recuerda… a Don Luis Vargas Rea ocación para mi memorable «En geometría como en la vida misma hay que volver continuamente al punto de partida.»
El Dibujo es entre otras cosas conocimieto de sí mismo.

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